Des articles

Célèbre scène d'"Autant en emporte le vent" filmée

Célèbre scène d'

Le 27 juin 1939, l'une des scènes les plus célèbres de l'histoire du cinéma est tournée : Rhett Butler et Scarlett O'Hara se séparent Emporté par le vent. Le réalisateur Victor Fleming a également tourné la scène en utilisant la ligne alternative, "Franchement, mon cher, je m'en fiche", au cas où les censeurs du film s'opposeraient au mot "merde". Les censeurs ont approuvé le film mais ont infligé une amende de 5 000 $ au producteur David O. Selznick pour avoir inclus la malédiction.

Le tournage de la célèbre épopée était en lui-même une épopée, avec deux ans et demi entre l'achat par Selznick des droits du roman de Margaret Mitchell et les débuts du film à Atlanta en décembre 1939. Bien que le film ait finalement remporté de nombreux prix, il a également suscité des critiques. pour son romantisme du Sud d'avant-guerre et le blanchiment des horreurs de l'esclavage.

Le tournage a commencé le 10 décembre 1938, avec l'incendie de la scène d'Atlanta, bien que O'Hara n'ait toujours pas été choisi. L'actrice britannique Vivien Leigh, nouvellement arrivée de Londres, s'est rendue sur le plateau pour rendre visite à son agent, Myron Selznick, frère du producteur. David O. Selznick lui a demandé de tester O'Hara. En janvier, Leigh a signé. Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard et Hattie McDaniel ont également joué. McDaniel, qui a joué Mammy, la servante de la maison Tara Plantation et anciennement une femme esclave, est devenue le premier acteur afro-américain à remporter un Oscar pour sa performance.


Analyse de scène de l'essai Autant en emporte le vent (critique de film)

"Autant en emporte le vent" est identifié comme l'un des films les plus phénoménaux du début du 20e siècle. Il était particulièrement catégorique dans la définition de l'industrie cinématographique en ce qui concerne les productions culturelles et historiques.

Nous allons écrire une coutume Essai sur l'analyse de scène d'Autant en emporte le vent spécialement pour vous
pour seulement $16.05 11 $/page

301 rédacteurs certifiés en ligne

Étant l'une des meilleures œuvres du producteur David O. Selznick, elle est identifiée comme une œuvre d'art historique qui a réussi à survivre à travers les décennies tout en maintenant sa viabilité.

Sa renommée s'est développée au fil des ans à un point où il est utilisé comme point de référence par les spécialistes du cinéma moderne et d'autres parties prenantes de l'industrie (Mitchell et Conroy 7).

Cet article cherche à analyser la célèbre scène "Franchement cher, je m'en fous" du film "Autant en emporte le vent" sorti en 1939, dans le but de comprendre le cadre de la scène comme ainsi que les motivations et le succès du producteur lors de sa fabrication.

La scène particulière «Je m'en fous» se déroule dans un cadre somptueux où la richesse est identifiée comme une question de nécessité. Ceci est contredit par toute la prémisse du film, car le besoin est décrit comme émanant de la camaraderie plutôt que de la richesse.

Cette scène dépeint la capture de l'espoir dans une image qui captive le spectateur au point qu'il accepte les moments spectaculaires avant même d'essayer de les comprendre. Un certain nombre de critiques de cinéma, d'universitaires et d'auteurs ont tenté d'expliquer cet aspect particulier à travers leur examen des tendances sociétales à travers l'histoire.

Le film exprime une accumulation de romance dans une période volatile où la richesse particulière des individus n'avait pas beaucoup d'importance (Boyer, Clark, Kett et Salisbury 483). Les personnages particuliers joués par Clark Gable et Vivien Leigh captivent le spectateur à un point où l'on est obligé d'arrêter de penser et de s'émerveiller devant les images à travers l'histoire.

Alors que le spectateur peut être au courant des événements historiques au moment où le film se déroule, il y a très peu dans le domaine public qui explore la position sociétale à un niveau individuel.

Les événements politiques de l'époque sont identifiés pour prospérer sur fond de riche activité sociale et de turbulences domestiques. L'affichage cinématographique de la romance dans ce film est exceptionnel et a été souligné comme la base du succès du film à une époque où Hollywood ne faisait que se définir.

Le réalisme du film en général réside dans le fait qu'il s'agit d'une histoire sur la vie réelle d'individus à une période historique dont la plupart des spectateurs sont conscients, même si la plupart ne l'ont peut-être pas vécue.

Le fait que le réalisateur du film ait pu éliminer les allusions à l'auto-tromperie rend le film encore plus réel à un point tel qu'il provoque des sentiments d'empathie chez le spectateur sous la pluie de romance. La scène se déroule dans un cadre domestique où Scarlet O'Hara dépeint le profond espoir dans une romance qui peut être considérée comme morte (Mitchell et Conroy 271).

Le mensonge au pied de l'escalier dépeint l'impuissance dont elle souffre même avec son fort caractère de femme actualisée. L'humilité de la romance est identifiée pour la repousser tandis que son amant dépeint un amant grossier méprisé qui ne croit pas à la romance dans laquelle elle a tant d'espoir.

Cet espoir contraste avec la position de la société à une époque de turbulences politiques et de guerre inévitable. Le producteur du film réussit à mettre en évidence les défis sociaux auxquels sont confrontés les individus qui tentent de nouer des relations amoureuses dans un cadre domestique grâce à l'utilisation de constructions réalistes de la vie réelle.

La scène a tendance à dépouiller la romance de ses principes de base où la richesse ainsi que la situation politique d'une société n'ont rien à voir avec l'orientation des différents genres en ce qui concerne la romance et les relations.

Il donne au spectateur une idée d'une société actualisée au début du 20 e siècle et les inquiétudes particulières d'une telle société à l'égard des différents genres. Cette actualisation n'est pas seulement basée sur le statut social des personnages, mais aussi sur leurs aspects personnels.

Alors que la prémisse du film peut être basée sur la romance et son épanouissement dans une société riche, le film a tendance à nier cette prémisse jusqu'à la fin. Les critiques l'ont identifié comme la naissance du féminisme où Scarlet rejette son admirateur pour une grande partie du film même si ses intentions sont clairement identifiées à travers ses actions modestes envers elle.

Dans la dernière scène, lorsque le monsieur a abandonné tout espoir d'une relation raisonnable, la dame cède pour découvrir qu'il est trop tard. La relation entre richesse et féminisme dans une situation où l'actualisation est forte est utilisée pour identifier le conflit entre la conscience de soi et les tendances humaines fondamentales qui constitue leur humanité.

Le producteur accumule beaucoup de pression par son utilisation du suspense pour le tuer par une fin malheureuse où Scarlet est rejetée par son admirateur (Boyer, Clark, Kett et Salisbury 76).

L'utilisation de la musique dans les différentes scènes est assez articulée car elle transfère en douceur les sentiments et les humeurs du spectateur d'un cadre à un autre, malgré le conflit entre les différentes scènes. Cela garantit que l'histoire se déroule sans heurts, ce qui garantit le succès de la production.

Cela domestique également les scènes à un point où le spectateur est capable de connecter et d'associer sa vie personnelle à celle des personnages du film (Mitchell et Conroy 524). Le producteur parvient à cascader les scènes dans un style progressif tout en laissant place aux soliloques et aux flashbacks.

Dans la scène particulière «Je m'en fous», il y a l'inclusion de souvenirs du père de Scarlet qui la rassurent sur un avenir positif avec son objet de désir même s'il venait de la rejeter.

Ceci est identifié comme un point de faiblesse pour le féminisme fort que le film construit dans les scènes précédentes (Boyer, Clark, Kett et Salisbury 347). Les actes poétiques servent à souligner la romance qui existe dans le cadre domestique où les aspects extérieurs de la société semblent être bloqués pour améliorer les sentiments des personnages.

Le monde qui se construit autour des personnages a été identifié pour souligner l'intemporalité du film même s'il est construit autour d'un cadre historique.

Cela souligne également l'intemporalité de la romance et cela a été réitéré par les critiques de cinéma modernes qui l'identifient comme la motivation derrière le succès du film, même dans le monde moderne du cinéma. Malgré le fait que la prémisse historique soit illimitée, le producteur parvient toujours à limiter le scénario à un contexte domestique avec un certain nombre d'influences de la société.


Photos rares des coulisses du tournage de Emporté par le vent

Quand Margaret Mitchell’s Emporté par le vent a été publié il y a 80 ans&mdashon le 30 juin 1936&mdashit était un best-seller rapide. Le seul roman publié par Mitchell de son vivant, l'histoire de Scarlett O’Hara a valu à l'auteur le prix Pulitzer de la fiction en 1937. Mais, bien qu'il soit peut-être mieux connu aujourd'hui pour le film qu'il a inspiré, ce film a failli n' 8217t se fait.

Le producteur David O. Selznick a d'abord décidé de ne pas transformer le roman en film, sur l'idée que les histoires de la guerre civile n'ont pas bien marché au box-office. Il n'a acheté les droits du film qu'après que le président du conseil d'administration de sa société ait proposé de couvrir l'argent et que Selznick n'avait pas encore lu le livre.

Malgré sa réticence initiale à faire le film, Selznick a fini par être étroitement impliqué dans sa production. Ces images de cette galerie faisaient partie de sa collection personnelle d'objets de sa carrière. Les enfants de Selznick se sont occupés du matériel après sa mort en 1965, mais les coûts du stockage commercial sont finalement devenus trop lourds. En 1980, ils ont fait don d'une grande partie de la collection et plus de 5 000 boîtes de matériel, y compris des photos de continuité et des images de production de Emporté par le vent&mdashto Harry Ransom Center à Austin, Texas. Aujourd'hui, des images rares comme celles des archives Selznick servent de document sur la réalisation de films dans les années 1930 et montrent à quel point il a fallu beaucoup de travail pour faire Emporté par le vent.

Il s'est avéré que l'effort en valait la peine. Emporté par le vent&mdashle troisième film le plus cher jamais réalisé à l'époque, avec un budget de 3,85 millions de dollars, derrière Ben Hur et Les anges de l'enfer, respectivement&mdash s'est avéré être l'un des plus grands films du 20e siècle, avec Clark Gable et Vivien Leigh, réalisé par Victor Fleming. Lors de la première du film le 15 décembre 1939 à Atlanta, environ 300 000 personnes sont venues pour les festivités environnantes pendant trois jours, le gouverneur de Géorgie Eurith D. Rivers déclarant un jour férié.

Emporté par le vent a atterri sur la couverture de TIME à la fin de cette année.

Le film à succès "s'est avéré autant un fardeau pour ses auteurs qu'une joie", a noté TIME. Bien que cela lui ait apporté un succès financier, Margaret Mitchell est devenue de plus en plus contrariée par l'attention écrasante du film et est devenue une personne plus privée, refusant souvent les biographes potentiels et les demandeurs d'autographes.

Le 16 août 1949, Mitchell est décédé, cinq jours après avoir été heurté par un conducteur en état d'ébriété à Atlanta. Après sa mort, la plupart du manuscrit original pour Emporté par le vent a été brûlé, mais au cours des dernières années, les quatre derniers chapitres ont refait surface à la bibliothèque Pequot à Southport, Connecticut, prouvant le point avancé par Scarlett O’Hara vers la fin du roman de Mitchell : « demain est un autre jour ». ”

Correction: La version originale de cette galerie a mal identifié un homme représenté sur la première diapositive. Il s'agit de George Cukor.


Hommage à Autant en emporte le vent – ​​mes cinq scènes préférées

IMDb présente Emporté par le ventL'édition 70e anniversaire des ‘s aujourd'hui, avec le fond rouge vif luxuriant Rhett/Scarlett. Je possédais déjà l'édition collector de 4 disques, mais voir l'ensemble anniversaire complet sur le site Warner Video suffit à me donner envie d'en acheter un autre !

Grâce à ma défunte mère, j'ai été exposée à ce film quand j'étais une petite fille, probablement vers 12 ou 13 ans. Parlant à peine anglais, elle devait à peu près m'interpréter l'essentiel de l'histoire. Mais un film comme Emporté par le vent, avec sa riche histoire et sa signification culturelle - sans parler de l'histoire d'amour complexe - n'est pas un film facile à saisir pour un adolescent, à l'exception des paysages magnifiques (j'entends aussi Rhett Butler) et de jolis costumes. Ainsi, c'est plus tard à l'université que j'ai en quelque sorte compris de quoi parlait le film.

Voici quelques-unes de mes scènes préférées de cette épopée hollywoodienne par excellence qui restera toujours intemporelle :

La scène de la bibliothèque

Le premier des nombreux moments geignards de Scarlett & Ashley. Je pense que Scarlett n'a jamais eu un faible pour les mauvais garçons, alors que le deuxième Rhett se levait du canapé, mon cœur s'est mis à battre. Gable incarnait le "charmant mauvais garçon" à un tee-shirt, et il l'a fait avec une grâce si nonchalante qui en vaut la peine. Leurs plaisanteries incessantes sont l'un des scénarios de bataille des sexes les plus délicieux jamais capturés au cinéma. (Désolé, je n'ai pas pu trouver de clip pouvant être intégré)

Si Dieu est mon témoin

La scène la plus emblématique de tout le film impliquant la star non humaine du film qui est Tara. Il serait scandaleux d'omettre cela de n'importe quelle liste de favoris GWTW. Bien sûr, c'est sans doute un cliché et une manipulation émotionnelle, mais bon sang, quand ce score est arrivé et qu'elle se tenait contre ce coucher de soleil à couper le souffle encadré par le chêne géant, j'en ai toujours la chair de poule !

Tu as vraiment besoin d'embrasser

L'audace de séduire - et de proposer - une femme aux funérailles de son mari est choquante, même selon la norme d'aujourd'hui. Mais Rhett est tellement suave et charmant que j'aurais presque souhaité avoir eu la chance que Scarlett d'être la cible de cette rencontre alléchante.

Franchement mon cher, je m'en fous

Il n'est pas étonnant que cette citation ait été élue n°1 des citations de films par l'American Film Institute (sur 100), ainsi que n°2 des « 100 plus grandes lignes de films » par le magazine Premiere en 2007. Mais la ligne qui la précède est également grande :

Scarlett: Non! Je sais seulement que je t'aime.
Rhett majordome: C'est votre malheur. [Rhett se retourne pour descendre les escaliers]

Même avant qu'il ne dise la phrase "Je m'en fous", nous savons qu'il a pris sa décision.

Melanie & Ashley réunis après la guerre

Malheureusement, je n'ai pas pu trouver la scène exacte de Melanie courant après l'expression d'Ashley et Scarlet alors que les deux s'embrassaient et s'embrassaient avec bonheur. Mais c'est une scène si déchirante mais si douce de ce pour quoi Scarlet est toujours jalouse de Melanie.

Je ne rends probablement pas justice à ce film en n'énumérant que cinq scènes, donc si vous avez d'autres favoris que vous aimeriez partager, écoutons-le !


Célèbre scène de "Autant en emporte le vent" filmée - HISTOIRE

Emporté par le vent (1939) est souvent considéré comme le film le plus aimé, le plus durable et le plus populaire de tous les temps. Le scénario de Sidney Howard est dérivé du premier et unique roman à succès de Margaret Mitchell sur la guerre civile et la période de reconstruction de 1 037 pages paru pour la première fois en 1936, mais principalement écrit à la fin des années 1920. Le producteur David O. Selznick avait acquis les droits cinématographiques du roman de Mitchell en juillet 1936 pour 50 000 $ - un montant record à l'époque pour un auteur inconnu pour son premier roman, ce qui a amené certains à étiqueter le film "La folie de Selznick". sortie du film, le livre fictif avait dépassé 1,5 million d'exemplaires vendus. (Maintenant, plus de 30 millions d'exemplaires du roman lauréat du prix Pulitzer 1936 ont été vendus.) Plus de records ont été établis lorsque le film a été diffusé pour la première fois à la télévision en deux parties à la fin de 1976, et la controverse a éclaté lorsqu'il a été restauré et sorti en salles. en 1998. Au total, il a été réédité huit fois, a été maintes fois diffusé à la télévision depuis les années 1970, et reste un best-seller en vidéo domestique (toutes versions).

Le célèbre film, tourné en Technicolor à trois bandes, est le plus grand film épique historique du cinéma du Vieux Sud en temps de guerre, avec une distribution immortelle dans un conte classique et intemporel d'une romance amour-haine. L'héroïne indomptable, Scarlett O'Hara, lutte pour trouver l'amour pendant les années chaotiques de la guerre civile et après, et doit finalement chercher refuge pour elle et sa famille dans la plantation bien-aimée Tara. Là, elle prend en charge, le défend contre les soldats de l'Union, les bagagistes et la famine elle-même. Elle épouse enfin son admirateur mondain Rhett Butler, mais son apathie envers lui dans leur mariage condamne leur relation conflictuelle, et elle retourne à nouveau auprès de Tara pour trouver une consolation - indomptable.

L'authenticité est renforcée par les costumes, les décors et les variations des chansons de Stephen Foster et d'autres extraits des airs martiaux de la guerre civile. Son ouverture, quelques mois seulement après le début de la Seconde Guerre mondiale en Europe, a aidé le public américain à s'identifier à l'histoire de la guerre et à son thème de survie.

Avec trois ans d'avance sur la publicité et la création de mythes hollywoodiens, trois heures et demie de durée (avec un entracte), une première de gala à Atlanta le 15 décembre 1939, le statut de film le plus rentable (atteignant finalement un apport non ajusté de près de 200 $ millions de dollars nationaux et un peu plus de 402 millions de dollars dans le monde), et la partition musicale de Max Steiner, le film Technicolor superbement photographié était un blockbuster en son temps. Un investissement budgétisé de plus de 4 millions de dollars en coûts de production était nécessaire - une somme énorme et record. C'était le film sonore hollywoodien le plus long et le plus cher de l'époque. Le film (à l'origine brouillon d'une durée de 6 heures) a été difficile à réaliser, en raison de son sujet controversé (notamment le viol, l'ivresse, la dissipation morale, l'adultère et, plus récemment, sa représentation simpliste de l'esclavage et sa vision nostalgique du ante-bellum pré-guerre civile du Sud). Avec des qualités épiques, il avait plus de 50 rôles parlants et 2 400 figurants. Le film reste actuellement le champion du box-office (national) avec un revenu brut de 1,89 $ milliard (corrigé de l'inflation).

Divers éléments du roman original ont dû être éliminés et certains personnages, scènes et événements ont été tronqués, supprimés ou modifiés :

  • Les deux premiers enfants de Scarlett (Wade Hampton et Ella Lorena) ont été éliminés
  • Dans le roman, Charles Hamilton était amoureux de Honey Wilkes avant de tomber amoureux de Scarlett dans le film, il était amoureux d'India Wilkes
  • Les scènes (et les confessions) de Rhett sur le fait d'être un coureur de blocus ont été minimisées ou coupées
  • les scènes d'amour du roman (en particulier, la "Scène du Paddock") étaient plus discrètes
  • le personnage de la prostituée d'Atlanta Belle Watling a été aseptisé (et le réconfort de Rhett avec Belle – après que Scarlett a juré de ne plus avoir d'enfants après la naissance de Bonnie), a également été minimisé
  • tous les épisodes ou mentions du Ku Klux Klan ont été abandonnés
  • Le mépris de Rhett pour Ashley a été adouci
  • Les derniers mots de Rhett dans le roman : "Mon cher, je m'en fous." Dans le film : "Franchement mon cher, je m'en fous." [Contrairement à la croyance populaire, c'était ne pas le film avec le premier l'utilisation du mot 'damn' (le juron avait été prononcé un an plus tôt dans Pygmalion (1938)et des variations, telles que "damné", ont été entendues dans d'autres films antérieurs]
  • Will Benteen (l'homme de la maison de Tara), la sœur de Rhett, Rosemary Butler, et l'oncle et avocat de Scarlett, Henry Hamilton, ont été éliminés.
  • La nuit du raid de Shantytown, Melanie a lu des extraits de Charles Dickens David Copperfield plutôt que de Victor Hugo Les misérables

Une recherche de casting à l'échelle nationale pour une actrice pour jouer la belle du Sud Scarlett a abouti à l'embauche de la jeune actrice britannique Vivien Leigh, bien que plus de 30 autres actrices bien connues aient été testées ou envisagées, notamment: Katharine Hepburn, Miriam Hopkins, Susan Hayward, Loretta Young , Carole Lombard, Paulette Goddard, Margaret Sullavan, Barbara Stanwyck, Joan Crawford, Norma Shearer, Lana Turner, Joan Bennett, Mae West, Tallulah Bankhead, Jean Arthur et Lucille Ball. Au total, 1 400 actrices ont été interviewées pour le rôle de Scarlett O'Hara et 400 ont effectué des lectures d'audition. Bien que la star de la MGM, Clark Gable, devait jouer le rôle du fringant profiteur de guerre de Charleston, Rhett Butler, Errol Flynn, Ronald Colman et Gary Cooper ont également été considérés pour le rôle. L'auteur Margaret Mitchell a déclaré à un journaliste qu'elle préférait Basil Rathbone pour le rôle principal masculin.

Les quatre stars principales ont été présentées dans cet ordre : Clark Gable, suivi de Leslie Howard (en tant qu'amour obsessionnel de Scarlett, la maussade Ashley Wilkes) et Olivia de Havilland (en tant que douce Melanie Wilkes, la cousine d'Ashley), puis Vivien Leigh en dernier avec ". et présenter" -- c'est-à-dire jusqu'à ce qu'elle remporte l'Oscar et qu'il soit remplacé par "starring."

Le film historique a reçu d'énormes distinctions, plus que tous les films précédents à ce jour : treize nominations et huit Oscars (concurrentiels), dont le meilleur film, le meilleur réalisateur (Victor Fleming - le seul réalisateur crédité), la meilleure actrice (Vivien Leigh), un film posthume Meilleur scénario (Sidney Howard, avec l'aide d'Edwin Justin Mayer, John Van Druten, Ben Hecht, F. Scott Fitzgerald et Jo Swerling) - le premier lauréat posthume du genre, Meilleure photographie en couleurs, Meilleure décoration d'intérieur, Meilleur montage de film et meilleure actrice dans un second rôle (Hattie McDaniel - la premier fois qu'un Afro-Américain avait été nominé et honoré) et deux plaques honorifiques, une pour le chef décorateur William Cameron Menzies pour « l'utilisation de la couleur pour l'amélioration de l'ambiance dramatique », et l'autre un prix de production technique pour Don Musgrave pour « le pionnier dans l'utilisation d'équipements coordonnés ».

Bon nombre des cinq nominations perdues étaient inattendues : Meilleur acteur (Clark Gable qui a perdu contre Robert Donat pour Au revoir, M. Chips), Meilleure actrice dans un second rôle (Olivia de Havilland qui était en compétition contre sa co-star Hattie McDaniel), Meilleur enregistrement sonore, Meilleure musique originale (Max Steiner) et Meilleurs effets spéciaux. Son record de dix Oscars au total s'est maintenu jusqu'en 1959, date à laquelle Ben Hur (1959) a remporté onze Oscars. C'était phénoménal que Emporté par le vent si bien, étant donné que 1939 se vantait de certains des plus grands films américains jamais réalisés, y compris Ninotchka, Le magicien d'Oz, Les Hauts de Hurlevent, M. Smith va à Washington, Au revoir, M. Chips, et Diligence.

Bien que près de la moitié du film ait été réalisé par Victor Fleming (45 %) - qui a reçu un crédit d'écran, quatre autres réalisateurs ont contribué à diverses parties du film : Sam Wood (15 %), William Cameron Menzies (15 %), « réalisateur féminin » George Cukor (5%) - le premier directeur, B. Reeves ("Breezy") Eason (2%), et le reste de divers directeurs de deuxième unité (18%). Menzies a été apaisé avec le crédit : "Production conçue par. " Dans les années 30, Selznick avait déjà produit des images de prestige et des œuvres littéraires pour l'écran, telles que David Copperfield (1935), Un conte de deux villes (1935), Anna Karénine (1935), Le Prisonnier de Zenda (1937), et Les Aventures de Tom Sawyer (1938), et au moment de Emporté par le vent's production, il préparait également Rébecca (1940).

Le film toujours populaire a également eu son lot de détracteurs, pour ses stéréotypes raciaux méridionaux d'avant-guerre bénins (d'esclaves heureux vivant sur la plantation) – et sa représentation globalement sympathique de l'esclavage et de la race. Beaucoup oublient que Hattie McDaniel et d'autres membres noirs de la distribution n'ont pas été autorisés à assister à la première du film à la mi-décembre 1939 à Atlanta, où la ségrégation raciale est séparée. Il y a eu des protestations et des boycotts de la part des Afro-Américains lors de la sortie du film dans les grandes villes.

Il y avait, naturellement, une mini-série télévisée de six heures ressemblant à un feuilleton intitulée Scarlett (1994), basé sur le roman de suivi d'Alexandra Ripley, se déroulant en partie en Irlande. Il mettait en vedette Joanne Whalley-Kilmer (comme Scarlett), Timothy Dalton (comme Rhett), Stephen Collins (comme Ashley) et Barbara Barrie (comme Pauline Robillard). Auparavant, le feuilleton fictif et épique Nord et Sud (1985), avec les stars Patrick Swayze, Robert Mitchum, Kirstie Alley, Johnny Cash, Gene Kelly, Hal Holbrook - et d'autres, et basé sur les romans à succès de John Jake, était l'étonnante tentative d'une mini-série télévisée (à plus de 1200 minutes) pour reprendre l'étendue de la période d'avant-guerre, dans son histoire de deux familles à l'époque de la guerre civile - la famille Hazard de Pennsylvanie et la famille Main de Caroline du Sud.

Dans le générique d'ouverture, le nom du producteur David Selznick apparaît : "Selznick International In Association with Metro-Goldwyn Mayer a l'honneur de présenter sa production Technicolor de Margaret Mitchell's Story of the Old South." Le titre du film "GONE WITH THE WIND" est affiché dans des mots gigantesques et majestueux, chacun balayant individuellement l'écran de droite à gauche au-dessus d'un coucher de soleil aux teintes rouges. Au fur et à mesure que les titres et les crédits jouent, des images soigneusement sélectionnées du Vieux Sud sont représentées comme arrière-plans - un vert pâturage avec des chevaux qui paissent, une rivière la nuit, des magnolias, un moulin construit en briques, des esclaves travaillant dans les champs, des plantations paisibles du Sud, la ville d'Atlanta et un coucher de soleil.

L'avant-propos fantaisiste et introductif du film explique :

Il y avait une terre de cavaliers et de champs de coton appelée le Vieux Sud. Ici, dans ce joli monde, Gallantry a tiré sa dernière révérence. C'était la dernière fois que l'on voyait des chevaliers et leurs dames, du maître et de l'esclave. Ne le cherchez que dans les livres, car ce n'est rien de plus qu'un rêve dont on se souvient, une civilisation emportée par le vent.

Le film s'étend sur une période de douze ans dans la vie de la plantation narcissique belle Scarlett O'Hara, du début de la guerre civile à la période de reconstruction, et couvre ses diverses activités romantiques sur fond d'événements historiques. Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la belle sudiste de 16 ans, belle mais gâtée, boudeuse, colérique et volontaire, (Vivien Leigh), l'aînée de trois filles O'Hara, mène une vie idyllique dans une plantation de coton du nord de la Géorgie appelée Tara. [La fausse façade de la maison de plantation est tout ce qui existe réellement de la maison O'Hara - notez également que la porte est décentrée.] Sur le porche du manoir, dans une belle robe à crinoline blanche à volants, la jeune femme entêtée se plaint, dans sa première ligne, aux jumeaux prétendants Brent et Stuart Tarleton (Fred Crane et George Reeves). Stuart note : « Savez-vous que ces pauvres Yankees veulent réellement une guerre ? » Elle en a marre des « parlers de guerre » et de toutes les perturbations causées par la tourmente de la guerre :

Violon-dee-dee. Guerre, guerre, guerre. Ce discours de guerre gâche tout le plaisir à chaque fête ce printemps. Je m'ennuie tellement que je pourrais crier. En plus, il n'y aura pas de guerre. Si l'un de vous dit 'guerre' encore une fois, j'irai dans la maison et je claquerai la porte.

Elle déclare pour la première fois une variante de sa ligne de marque lorsqu'on lui demande si elle assiste au barbecue de la plantation voisine de Wilkes-Twelve Oakes le lendemain : "Pourquoi je n'y avais pas encore pensé. Je vais, je vais y penser demain. » Elle taquine les beaux-admirateurs serviles pour savoir s'ils peuvent valser avec elle. Scarlett est stupéfaite et consternée d'entendre une rumeur secrète selon laquelle l'homme qu'elle aime et dont elle est obsédée, le fils aîné de Wilkes, Ashley, envisage d'épouser sa cousine sage, délicatement aristocratique et douce, Melanie Hamilton d'Atlanta - une "goody-goody" selon à Scarlett. Amoureuse de lui et peu habituée à perdre, elle essaie de se convaincre : "Ça ne peut pas être vrai. Ashley m'aime."

Son père immigré irlandais aux cheveux blancs, le prospère propriétaire de plantation Gerald O'Hara (Thomas Mitchell) galope sauvagement à cheval à travers les champs et saute par-dessus les clôtures pour rencontrer Scarlett qui descend à sa rencontre dans la lumière de la fin de l'après-midi à l'heure de "quittin". [Le cheval blanc monté par O'Hara a également été utilisé comme cheval d'argent du Lone Ranger dans les feuilletons de la République de 1938 et 1939 du héros légendaire.] Alors qu'ils marchent ensemble, on lui dit à nouveau que le mariage d'Ashley avec Melanie (un "au visage pâle , ninny à la bouche farineuse " dans les yeux de Scarlett) sera annoncé lors du bal du soir du barbecue. Son père souhaite que sa fille pétulante ne fasse pas un "spectacle" d'elle-même, "courant autour d'un homme qui n'est pas amoureux de vous". Le père de Scarlett pense qu'elle ne serait pas heureuse avec Ashley de toute façon, et qualifie les caractéristiques importantes dans mate : "Eh bien, quelle différence cela fait-il de qui vous épousez - tant qu'il est un sudiste et qu'il pense comme vous ?"

Elle se plaint auprès de lui de Tara comme d'un endroit qui ne signifie rien pour elle. Il renforce pour sa fille myope et entêtée la valeur de "la terre" et l'héritage inestimable que représente Tara [une leçon que Scarlett n'oublie jamais pendant les ravages et les coups de la guerre].

Gerald : Tu veux dire, Katie Scarlett O'Hara, que Tara - cette terre ne signifie rien pour toi ? Eh bien, la terre est la seule chose au monde pour laquelle il vaut la peine de travailler, de se battre, de mourir, parce que c'est la seule chose qui dure.
Scarlett : Oh, Papa. Tu parles comme un Irlandais.
Gerald : Je suis fier d'être irlandais, et n'oublie pas, Missy, que tu es à moitié irlandaise aussi. Et pour tous ceux qui ont une goutte de sang irlandais en eux, eh bien, la terre sur laquelle ils vivent est comme leur mère. Oh, mais là, là. Maintenant, tu n'es qu'un enfant. Il viendra à toi, cet amour de la terre. Il n'y a pas moyen d'y échapper si vous êtes irlandais.

Le père et la fille se profilent alors qu'ils se tiennent à côté d'un arbre avec un ensemble de branches tordues et noueuses. Une vue arrière de la caméra montre Tara et un ciel coloré et flamboyant au coucher du soleil. La partition musicale de Max Steiner "Tara's Theme" se gonfle magnifiquement.

Ellen Robillard O'Hara (Barbara O'Neil) rentre à la maison après avoir agi en tant que sage-femme, revenant du chevet de la maîtresse de "pauvre poubelle blanche" de son surveillant Emmy Slattery (Isabel Jewell), qui vient de donner naissance à un bébé qui est "mort par miséricorde" . Le surveillant Jonas Wilkerson (Victor Jory) lui demande alors qu'elle descend de sa voiture : "Nous avons fini de labourer le fond du ruisseau aujourd'hui. Par quoi voulez-vous que je commence demain ? » Ellen recommande à son mari que le surveillant soit congédié rapidement (et qu'il soit licencié le lendemain matin).

La famille O'Hara, dans une scène feutrée semblable à une église éclairée par des bougies vacillantes, propose des prières du soir. Toujours bouleversée, Scarlett ne peut que penser à la façon de piéger Ashley : "Ashley ne sait pas que je l'aime. Je lui dirai que je l'aime, et ensuite il ne pourra pas se marier. "

Se préparant pour le barbecue de la plantation voisine de Twelve Oaks le lendemain, son esclave astucieuse, protectrice, tenace et impertinente Mammy (Hattie McDaniel) lace une vain Scarlett alors qu'elle s'accroche à l'un des montants de son lit d'essai blanc à volants. Mammy, jamais dupe des airs et des larmes de Scarlett, insiste pour que Scarlett mange la nourriture qu'elle et Prissy (Butterfly McQueen) ont préparé pour elle: "Tu manges chaque bouchée de ça." Mammy la réprimande d'avoir choisi un vert -robe en mousseline à pois à porter qui révèle trop de peau :

Tu ne peux pas montrer ta poitrine avant trois heures.

En vain, Mammy sermonne vigoureusement Scarlett : " Si vous vous fichez de ce que les gens disent de cette famille, je m'en soucie. Je vous ai dit et vous ai dit que vous pouvez toujours dire à une dame par la façon dont elle mange devant des gens comme un oiseau, et je ne veux pas que vous alliez chez M. John Wilkes et mangeiez comme un ouvrier des champs et gobe comme un porc." La réponse de Scarlett à la tête dure est: "Fiddle-dee-dee." Scarlett pense qu'Ashley approuvera son appétit sain, mais Mammy pense qu'elle pourrait aussi bien renoncer à gagner Ashley loin de Melanie: "Ce que dit un gentleman et ce qu'ils pensent, c'est deux choses différentes. Et je n'ai pas remarqué que Mist' Ashley demandait de t'épouser." Après que Mammy ait prouvé qu'elle avait tort, Scarlett s'assied dans les escaliers de sa chambre à se bourrer la bouche avec les "vittles".

Des voitures s'arrêtent avec des invités devant la plantation de Twelve Oaks à piliers pour le somptueux barbecue Wilkes - une scène magnifiquement photographiée. Des invités aux costumes exquis se promènent sur la pelouse et à l'intérieur du vaste manoir, avec un couloir massif et un large escalier gracieux à double courbe. La caméra suit Scarlett à travers la porte et dans le couloir où elle salue le gentleman, idéaliste, érudit et sensible Ashley Wilkes, le fils aîné esthétique du patriarche de Twelve Oaks, John Wilkes (Howard Hickman). Ashley et Scarlett saluent également sa chérie, la timide Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), la radieuse jolie cousine d'Ashley. La douce et charmante Mélanie n'est qu'amoureuse envers Scarlett : "Je t'ai toujours tellement admirée. J'aimerais pouvoir être plus comme toi."

Scarlett salue deux autres messieurs (en fait, ses futurs premier et deuxième maris), flirtant sans vergogne avec le faible frère de Melanie, Charles Hamilton (Rand Brooks), futur beau de la cousine India Wilkes (Alicia Rhett), l'une des sœurs d'Ashley, puis avec des moustaches. face à Frank Kennedy (Carroll Nye), beau de la propre sœur de Scarlett, Suellen (Evelyn Keyes).

[IMPORTANT - VEUILLEZ NOTER : dans le roman de Margaret Mitchell, Charles Hamilton a une compréhension tacite du mariage avec la cousine Honey Wilkes, ne pas avec India Wilkes (qui est fiancée à Stuart Tarleton), avant de tomber amoureux de Scarlett. Après que Scarlett ait flirté avec Charles, il tombe follement amoureux d'elle. Au barbecue, elle accepte la demande en mariage de Charles et accepte d'épouser l'homme épris après qu'Ashley l'ait rejetée pour Melanie, et après s'être moquée de Honey.]

Alors qu'elle monte l'escalier, Scarlett demande à l'une de ses petites amies, Cathleen Calvert (Marcella Martin) d'identifier la "sombre méchante" [aux cheveux noirs et à l'allure diabolique] qui se tient seule au pied de l'escalier. Scarlett se fait dire : « Mon cher, ne savez-vous pas ? C'est Rhett Butler ! Il est de Charleston. Il a la réputation la plus terrible." Le fringant et charmant Rhett Butler (Clark Gable), dans son entrée dramatique dans un film, est vêtu d'un élégant costume noir - le personnage espiègle échange un regard cool et provocateur avec Scarlett, attiré par sa beauté époustouflante . Elle répond à son regard sexuellement attirant alors qu'il la déshabille avec ses yeux : "Il a l'air comme si - comme s'il savait à quoi je ressemble sans mon shimmy."

En silhouette, Ashley et Mélanie se dirigent vers les portes-fenêtres. Lorsqu'elles sont ouvertes, la pelouse se révèle à l'extérieur remplie d'ambiances festives et d'invités. Amoureusement, Ashley pâle et à la peau blanche lui parle: "Vous semblez appartenir ici. Comme si tout avait été imaginé pour vous. » Mélanie décrit le style aristocratique du Sud avec lequel elle se marie : « C'est plus qu'une maison. C'est un tout nouveau monde qui veut seulement être gracieux et beau." Même la guerre n'endommagera pas leur amour l'un pour l'autre - elle promet : "Quoi qu'il arrive, je t'aimerai comme je le fais maintenant jusqu'à ma mort."

Sur la pelouse de Twelve Oaks, Scarlett est entourée de beaux intéressés, mais pas Ashley. Pendant leur sieste, la sœur de Scarlett, Suellen, la taquine à propos de son intérêt romantique : "Comment va Ashley aujourd'hui, Scarlett ? Il n'avait pas l'air de faire beaucoup d'attention à vous. » Dans une chambre à l'étage, un enfant noir admire les jeunes dames aristocratiques allongées pour la sieste de l'après-midi. Scarlett se faufile et se cache dans les escaliers, essayant de trouver un moment opportun pour parler à Ashley.

Il y a un débat houleux entre les messieurs au sujet de la guerre, mentionnant que George a déjà fait sécession et Ft. Sumter s'est fait tirer dessus :

Nous avons supporté assez d'insultes de la part des Yankees qui s'en mêlent. Il est temps que nous leur fassions comprendre que nous garderons nos esclaves avec ou sans leur approbation. C'était le droit souverain de l'État de Géorgie de se séparer de l'Union ! [19 janvier 1861] . Le Sud doit s'affirmer par la force des armes. Après que nous ayons tiré sur les coquins Yankee à Fort. Sumter [12 avril 1861], il faut se battre ! Il n'y a pas d'autre chemin.

Les sudistes excités et patriotes prédisent avec vantardise une victoire rapide, menée par Gerald O'Hara : " Les Yankees ne peuvent pas se battre et nous le pouvons ! " Ashley tente de refroidir la salle pleine de têtes brûlées du Sud, espérant que le Nord laissera le Sud quitter le Union sans guerre : "La plupart des misères du monde ont été causées par les guerres. Et, quand les guerres étaient finies, personne ne savait jamais de quoi il s'agissait."

Mouton noir d'une bonne famille de Charleston, et s'est avéré de West Point, Rhett exprime sa dissidence solitaire des voix optimistes. Il n'est pas d'accord avec le fervent patriotisme des confédérés : « Je pense qu'il est difficile de gagner une guerre avec des mots, messieurs.Je dis très clairement que les Yankees sont mieux équipés que nous. Tout ce que nous avons, c'est du coton et des esclaves, et de l'arrogance." Il croit avec réalisme que la cause du Sud est vouée à l'échec en raison de ses ressources progressivement en baisse et du manque d'industrie - il gâche l'enthousiasme de tout le monde pour la guerre :

J'ai l'impression de gâcher le cognac, les cigares et les rêves de victoire de tout le monde.

Dans la célèbre scène de la bibliothèque, Scarlett coince énergiquement une Ashley désintéressée et lui déclare son amour profond. Il lui exprime un amour fraternel :

Ashley : N'est-ce pas suffisant que vous ayez rassemblé le cœur de tous les autres hommes aujourd'hui ? Tu as toujours eu le mien. Tu t'es fait les dents dessus.
Scarlett : Ne me taquine pas maintenant. Ai-je ton cœur ma chérie ? Je vous aime. Je vous aime.
Ashley : Tu ne dois pas dire de telles choses. Vous me détesterez de les avoir entendus.
Scarlett : Je ne pourrais jamais te détester. Et je sais que tu dois te soucier de moi. Oh, tu t'en soucies, n'est-ce pas ?
Ashley : Oui, je m'en soucie. Oh, ne pouvons-nous pas partir et oublier que nous avons déjà dit ces choses ?

Ashley souhaite qu'elle n'ait jamais professé son amour pour lui. Elle est brutalement surprise et blessée lorsqu'il annonce son mariage avec sa cousine Mélanie. Mais il ne veut pas la blesser : "Oh ma chérie, pourquoi dois-tu me faire dire des choses qui te blesseront ? Comment puis-je vous faire comprendre? Tu es si jeune et irréfléchi. Vous ne savez pas ce que signifie le mariage." Ashley réaffirme son amour et son affinité pour Melanie, une femme avec une nature délicate et gracieuse comme la sienne : "Elle est comme moi, Scarlett. Elle fait partie de mon sang et nous nous comprenons." Avec beaucoup d'ardeur et de vitalité, Scarlett ne veut pas entendre la vérité : "Mais tu m'aimes !"

Ashley pense qu'il aime Scarlett, mais il est extrêmement larmoyant et inadéquat contrairement à ses qualités plus dures et plus impitoyables. Il envie par procuration sa joie de vivre et la refroidit simultanément, exprimant sa peur de l'épouser :

Comment pourrais-je m'empêcher de t'aimer, toi qui as toute la passion de la vie qui me manque ? Mais ce genre d'amour n'est pas suffisant pour réussir un mariage entre deux personnes aussi différentes que nous.

Elle lui reproche injustement de l'avoir entraînée, puis le gifle : "Je te détesterai jusqu'à ce que je meure. Je ne peux pas penser à quelque chose d'assez grave pour t'appeler. » Sans plus de discussion, Ashley quitte la pièce avec raideur. De frustration, elle jette un vase contre le manteau de la cheminée.

Scarlett est surprise, embarrassée et en colère de voir Rhett Butler sortir de sa cachette derrière le canapé - il est amusé d'avoir entendu l'intégralité de l'échange Ashley-Scarlett et ses appels importuns, commentant sarcastiquement : « La guerre a-t-elle commencé ? » Leur premier, fougueux la conversation et la rencontre sont typiques de toute leur relation dans le film - une liaison bien assortie, sexuellement électrique, également sans conscience, mais toujours appariés de manière tumultueuse. Rhett ne veut pas interrompre leur « belle scène d'amour », mais promet de « garder son secret en sécurité ». Scarlett réplique :

Scarlett : Monsieur, vous n'êtes pas un gentleman.
Rhett : Et vous, mademoiselle, n'êtes pas une dame. Ne pense pas que je t'en veux. Les dames n'ont jamais eu de charme pour moi.

Sur les airs de "Dixie", un cavalier arrive à Twelve Oaks avec la nouvelle de l'avènement de la guerre entre les États et l'appel de Lincoln aux soldats volontaires pour lutter contre la Confédération [15 avril 1861]. Les sudistes montent à cheval pour partir s'enrôler et se préparer au conflit. Manipulativement et méchamment (tout en regardant Melanie embrasser Ashley au revoir), Scarlett accepte une demande en mariage impulsive et impétueuse de Charles Hamilton, le frère incolore et timide de Melanie, et le vole loin de son beau Honey Wilkes. [Voir la note importante ci-dessus.]

Elle se marie par dépit et pour arrêter les commérages croissants sur son intérêt évident pour Ashley. Charles et Scarlett, vêtus d'une robe de soie ivoire, se marient dans le salon de Tara, un jour après le mariage de Melanie et Ashley. Charles (et Ashley) doivent partir dans quelques jours pour la guerre. Alors qu'ils se séparent pour la guerre, Charles interprète mal les larmes de Scarlett : " Ne pleure pas, chérie. La guerre sera finie dans quelques semaines, et puis je reviendrai vers vous."

Scarlett est rapidement devenue une veuve réticente - Charles meurt d'une pneumonie, à la suite d'une attaque de rougeole dans un camp d'entraînement de guerre avant d'atteindre n'importe quel front de bataille. De manière inappropriée, Scarlett refuse de porter des vêtements de deuil noirs en mémoire de son mari récemment décédé et essaie un bonnet coloré. Elle réagit à la triste nouvelle, ne voyant pas beaucoup d'avenir pour une jeune veuve séduisante et ne ressentant aucun chagrin. Elle dit à maman :

Elle pleure auprès de sa mère, non pas sur la perte de son mari, mais sur son avenir ennuyeux et la perspective de porter du noir : "Ma vie est finie. Il ne m'arrivera plus rien." Sa mère la réconforte : "C'est naturel de vouloir paraître jeune et être jeune quand on est jeune."

Impatiente du manque de vie à Tara, Scarlett a la possibilité de se rendre à Savannah ou à Atlanta. Scarlett volontaire décide d'aller à Atlanta pour vivre avec une frêle Melanie et aider la tante de Melanie "Pittypat" Hamilton (Laura Hope Crews) à prendre soin d'elle alors qu'elle attend la naissance de son premier bébé. Mammy interprète astucieusement et avec précision les véritables motivations de Scarlett - être plus proche d'Ashley lorsqu'il reviendra en congé de guerre : "Savannah serait mieux pour vous. Vous aurez juste des ennuis à Atlanta. Vous savez de quel problème je parle. Je parle de M. Ashley Wilkes. Il viendra à Atlanta quand il aura son congé - et vous êtes assis là à l'attendre comme une araignée. Il appartient à Miss Melanie. "


Vieux films hollywoodiens

Quand j'ai découvert que vous aviez choisi cette citation, j'étais tellement excitée que quelqu'un l'ait prise ! J'ai ADORÉ votre écriture de cette célèbre citation - vous l'avez vraiment expliquée en détail et c'est incroyable que Selznick ait eu ce qu'il fallait avec la citation ! Je vous remercie beaucoup d'avoir participé et j'ai hâte que nous soyons dans les blogathons les uns des autres à l'avenir ! -Emilie

Merci pour l'hébergement. C'était une excellente idée pour un blogathon, et j'ai vraiment apprécié l'article. Je suis sûr que nous nous reverrons dans les blogathons à l'avenir.

Cela devrait lire, j'ai vraiment aimé écrire l'article. Je n'ai pas encore bu de café :)

Vous simplifiez à l'excès. Selznick a menacé de se retirer du Code - la seule chose que le bureau de Hays a compris était sa possible perte de pouvoir. Que Selznick soit sérieux ou non, cette menace suffisait. Je pense qu'il a payé une amende de 5 000 $ pour que tout le monde ait l'air bien.

J'ai certainement simplifié un processus très compliqué juste pour la lisibilité.

Cependant, ma compréhension de ce qui s'est passé, qui vient d'un livre intitulé Dame in a Kimono, est légèrement différente de la vôtre. Selznick n'a jamais directement menacé le bureau de Hays de partir, mais il en a discuté avec son partenaire commercial, Jock Whitney, et plusieurs autres producteurs (le bureau de Hays aurait sûrement découvert ce qu'il avait dit, mais ce n'était qu'une des nombreuses tactiques utilisées par Selznick. ). Le bureau de Hays n'a également jamais reculé sur l'utilisation du mot "putain". C'est la Motion Picture Association, qui était responsable du contenu du Motion Picture Production Code, qui a changé les règles comme je l'ai indiqué dans l'article. Selznick et Hays ont tous deux comparu devant les membres du conseil d'administration de la MPA le 1er novembre pour plaider leur cause et Selznick, qui avait de nombreux contacts dans l'industrie cinématographique, a remporté la victoire. Le livre a qualifié l'amende de 5 000 $ de "légende".


Culver Studios avant Amazon

C'était un samedi soir glacial le 10 décembre 1938. Forty Acres, le légendaire backlot de Culver Studios, alors connu sous le nom de Selznick International Studios, était en flammes. L'incendie n'était pas une urgence, mais un incendie planifié filmé par plusieurs caméramans, une reconstitution de l'incendie d'Atlanta pendant la guerre civile. Le tournage de la scène emblématique a donné le coup d'envoi de la production de l'adaptation du producteur David O. Selznick de Emporté par le vent. Alors que les décors extérieurs brûlaient jusqu'au sol, Selznick a regardé le spectacle passionnant avec émerveillement. Il ne le savait pas, la nuit lui réservait d'autres surprises.

Avant que Vivien Leigh n'arrive sur le plateau pour voir le tournage de Burning of Atlanta, Selznick ne l'avait jamais vue, se souvient le producteur des décennies plus tard. « Les flammes illuminaient son visage. J'ai jeté un coup d'œil et j'ai su qu'elle avait raison.

Tout le monde n'était pas aussi satisfait des événements de la soirée. Selon L'Atlantique's Gavin Lambert, dans les environs de Culver City, quelques habitants paniqués par les flammes se sont envolés vers le désert. Mais la plupart n'étaient pas surpris. Même avant son incorporation officielle en 1917, Culver City était une ville d'images remplie d'images et de sons du cinéma.

Alors que la ville entre dans son deuxième siècle, elle continue d'être un centre de divertissement, Amazon Studios prenant lentement le relais et agrandissant Culver Studios.

Dès le début, le fondateur Harry Culver a courtisé l'industrie cinématographique naissante. Il avait « cette vision en tête d'avoir une communauté autosuffisante, qui ne ferait finalement pas partie de Los Angeles, mais qui s'annexerait de LA et deviendrait une ville constituée en société », a déclaré Hope Parrish, président de la Culver City Historical Society. .

Dès 1915, Culver s'est fixé pour objectif de séduire le pionnier du cinéma Thomas K. Ince dans sa nouvelle communauté. Charmant, beau et brillant, Ince était un véritable homme de la Renaissance, producteur, scénariste, acteur et chef de studio révolutionnaire. Dans son studio Inceville, au coin de Pacific Coast Highway et Sunset Boulevard, Ince a organisé le premier studio moderne, employant environ 700 personnes.

Fatigué de travailler dans des conditions balnéaires difficiles et dans la boue des rues non pavées menant à Inceville, Ince était une cible facile. En septembre 1915, il accepte de déménager ses opérations sur Washington Boulevard à Culver City. Les Los Angeles Times a rapporté que Culver City avait été choisie en raison de son emplacement « à mi-chemin entre Los Angeles et les centres balnéaires, ainsi que sa proximité avec les contreforts ».

Tout au long des premières années de Culver City, les studios de cinéma ont fourni la base économique de la région. Département des archives et des collections spéciales, Bibliothèque William H. Hannon, Université Loyola Marymount

La nouvelle usine d'images de Culver City, dotée de colonnes néo-grecques, a été nommée Triangle Studio. Ce n'était pas la maison d'Ince depuis longtemps. Toujours un franc-tireur rebelle, Ince s'est lancé seul en 1918. Triangle Studio est finalement devenu Metro Goldwyn Mayer, et est aujourd'hui le lot de Sony.

"Il est retourné à Harry Culver", dit Parrish. "Il a dit:" Hé, écoutez, j'ai besoin d'un autre terrain parce que je veux démarrer mon propre studio. "" Le lot choisi par Ince était de 11 acres non aménagés sur Washington Boulevard.

"Il y a plus de deux ans, j'ai découvert l'avantage de Culver City pour un emplacement de studio", a déclaré Ince au Los Angeles Times. "J'ai eu une expérience de plus de cinq ans au bord de l'océan, et les cheveux gris que j'ai ont été causés par l'inquiétude liée à la pression financière de devoir rester inactif avec des centaines de joueurs à prix élevé sur mes mains, en attendant le lourd brouillard à dégager. M. Culver m'a montré des rapports météorologiques du gouvernement relatifs à Culver City et à divers autres endroits dans et autour de Los Angeles, douze jours ouvrables supplémentaires par an était la présentation de Culver City, et je suis arrivé à la conclusion que c'était l'endroit idéal pour la motion -des studios d'images tels que je veux construire.

La construction du studio de 250 000 $, construit par la firme Meyer et Holler, a bientôt commencé. Il y avait trois gigantesques scènes sonores en verre de pointe, des salles de propriété, des vestiaires, des salles de projection d'images, une centrale électrique, des ateliers de menuiserie et une grande piscine à utiliser pour photographier des scènes océaniques, les loisirs des employés et pour se protéger contre les incendies.

L'imposant bâtiment administratif principal faisant face à Washington Boulevard, construit dans le style du Mount Vernon de George Washington, a suscité le plus de commentaires. Une structure en bois blanc coloniale du sud décousue, mais gracieuse, dotée de fenêtres parfaitement symétriques et de colonnes élégantes, elle empestait les prétentions de la côte est. C'était une déclaration de statut et d'endurance.

Selon Studios de cinéma de Culver City, le bâtiment administratif a été surnommé « The Mansion ». Ince utiliserait le bâtiment comme symbole dans ses supports promotionnels, sous la bannière « The White House of Silent Drama ». À l'intérieur, son bureau au deuxième étage comprenait une «salle de bateau galion», qui était calquée sur l'intérieur de l'Edris, son yacht prisé.

Le studio Thomas H. Ince a officiellement ouvert ses portes le 12 janvier 1919. Los Angeles Times signalé. « La nouvelle usine a été équipée de tout le confort moderne pour réaliser des images avec efficacité et rapidité. »

Culver Studios, vers 1925. Les studios réels sont nichés derrière le "The Mansion". Culver City était encore rurale à l'époque où un verger fait face au studio sur la gauche. Collection de photos de la bibliothèque publique de Los Angeles

Ince a continué à travailler à un rythme effréné dans le nouveau studio, avec l'aide de sa femme, Elinor. Lui et sa femme ont tous deux travaillé dur au studio, et il y a des photos d'eux assis à la table de la cuisine en train de travailler sur des trucs », a déclaré l'historienne de Culver City Julie Lugo Cerra, auteur de Studios de cinéma de Culver City et Chroniques de Culver City. "Ils étaient dans un partenariat qui a vraiment mis tout cela ensemble. »

Mais le mandat d'Ince dans son studio de rêve serait de courte durée. Souffrant déjà d'une maladie cardiaque, il décède à l'âge de 42 ans le 19 novembre 1924, après avoir assisté à une soirée nautique organisée par le magnat de l'édition William Randolph Hearst et sa maîtresse, la star de cinéma Marion Davies.

Elinor Ince a gardé le studio ouvert pendant un an, mais en 1925, il a été vendu à un autre magnat du cinéma et innovateur, producteur et réalisateur Cecil B. DeMille. Le 26 février, lors d'un événement auquel assistaient Harry Culver et Louis B. Mayer, directeur de la MGM, DeMille a officiellement reçu les clés du studio. Selon le Los Angeles Times DeMille a pris le temps d'honorer Ince, un "homme qui a eu la vision de passer d'une drôle de petite cabane sur la plage de Santa Monica à cette structure".

DeMille construirait de nombreux décors à grande échelle sur ce qui allait être connu sous le nom de Forty Acres, le backlot d'environ 25 acres du studio. Ceux-ci comprenaient une recréation massive des rues de Jérusalem pour son film roi des rois. Après une série de déceptions au box-office, DeMille a perdu le contrôle du studio. Il est finalement tombé entre les mains de RKO, qui a fusionné avec Pathe, devenant RKO/Pathe au début des années 1930. C'est à cette époque, en 1933, que King Kong a été filmé sur le terrain.

David O. Selznick a commencé à louer le studio en 1937. Ici, Alfred Hitchcock, avec un scénario sous le bras, marche avec la future scénariste Joan Harrison. Photo de Peter Stackpole/The LIFE Picture Collection via Getty Images

RKO/Pathe louait fréquemment le studio, et en février 1937, le studio aujourd'hui de 60 acres était loué au grandiose et brillant producteur indépendant David O. Selznick. Selznick a rapidement fait de The Mansion son quartier général, accrochant une grande photo de son père, Lewis, un des premiers pionniers du cinéma qui, selon son fils, avait été maltraité par l'entreprise, au-dessus de son bureau.

Lorsque Selznick s'est installé à Culver City, c'était vraiment devenu la capitale mondiale du cinéma, qui abrite désormais Selznick International Studios, MGM et Hal Roach Pictures. Selon Blaine Walker, alors président de la Chambre de commerce, même si 60% de tous les films tournés à Los Angeles ont été réalisés à Culver City, les films de l'époque se terminaient par la phrase "Made in Hollywood". Le slogan a rendu furieux les fiers habitants de Culver City. La communauté a menacé de changer son nom en Hollywood, avant de faire un compromis, ajoutant simplement « Made in Culver City » à la fin de toutes les images produites là-bas. Le produit Selznick Le prisonnier de Zenda a été le premier film à arborer fièrement le sceau.

La nouvelle reconnaissance n'est pas venue trop tôt, car au cours des trois prochaines années, deux des films les plus célèbres et les plus acclamés par la critique de tous les temps seraient tournés sur le terrain Selznick. La première, Emporté par le vent, a débuté avec la levée du drapeau confédéré sur la pelouse devant The Mansion.

C'est sur la suggestion du directeur de production Raymond Klune que Selznick a décidé d'utiliser des décors réels sur le backlot, y compris ceux de roi des rois et King Kong, pour l'incendie d'Atlanta. « Les anciens décors ont reçu de faux fronts et de nouveaux profils afin de simuler les bâtiments de l'époque », écrit l'historien de Selznick Rudy Behimer dans Mémo de David O. Selznick. « Sept caméras technicolor ont photographié des doubles pour les personnages de Rhett et Scarlett en plans moyens et longs sur fond de feu. Il était nécessaire de tourner cette séquence avant le début de la production réelle afin de dégager la zone et de permettre la construction de l'ensemble extérieur de Tara, de sections d'Atlanta et de divers autres extérieurs à utiliser pendant le tournage.

L'incendie du backlot a fait place à la légendaire Tara, la maison familiale de Scarlett O'Hara. L'ensemble emblématique comprenait un aménagement paysager conçu par l'architecte paysagiste pionnière Florence Yoch. Selznick n'était pas satisfait de l'ensemble final de Tara, et a écrit plus tard qu'il souhaitait avoir utilisé une vraie maison de plantation dans le Sud.

Les King Kong la production ne pouvait pas se permettre de voyager en Afrique, donc Skull Island a été recréé par RKO sur le terrain. En réalité, Kong n'était qu'une "marionnette de 18 pouces". Getty Images

Bien que l'ensemble Tara ait été démoli il y a des décennies, la légende persiste qu'il s'agissait en fait de The Mansion. "Les gens regardent toujours devant les Culver Studios et The Mansion et ils pensent que Emporté par le vent a été tourné là-bas », dit Lugo Cerra. Cependant, ce n'était pas le manoir dans Emporté par le vent. Mais tout le monde s'en souvient parce que c'était une sortie de Selznick, et le logo de Selznick comportait une photo de The Mansion.

Tandis que Emporté par le vent la fièvre a consumé le pays, un autre génie excitable et grandiloquent faisait l'histoire du cinéma sur le terrain Selznick.Orson Welles dirigeait et jouait dans Citoyen Kane, un démontage à peine voilé de William Randolph Hearst. Avec sa troupe de jeunes acteurs enthousiastes du Mercury Theatre, Welles a tourné des parties du segment d'actualités du film tout autour de Forty Acres.

"Il y avait beaucoup de recul, et alors que nous nous déplacions d'un endroit à un autre, nous disions:" Eh bien, montons à l'arrière du train et faisons-moi avec Teddy Roosevelt ", ou qui que ce soit", Welles rappelé au réalisateur Peter Bogdanovich dans C'est Orson Welles. “Tout était à moitié improvisé – tous les trucs d'actualités. C'était très amusant de le faire.

Au cours des 10 prochaines années, de nombreux films importants, dont Une star est née, Intermezzo, Rébecca, Envoûté, Les magnifiques Amberson, Portrait de Jennie, et Duel au soleil serait tourné aux Selznick International Studios.

Le studio a finalement été repris par RKO, avant que le propriétaire excentrique Howard Hughes (qui aurait déjà fait du patin à roulettes dans The Mansion) le vende à General Tire. En novembre 1957, Desilu, propriété du couple d'or de la télévision Lucille Ball et Desi Arnaz, a acheté le studio pour 6 millions de dollars. Au cours du demi-siècle suivant, il passera par un nombre ahurissant de propriétaires, officiellement renommés The Culver City Studios en 1970.

Malgré le changement constant de propriétaire, le lot serait utilisé pour les productions d'émissions de télévision célèbres dont Gamine, Star Trek, et Le spectacle d'Andy Griffith, employant de nombreux résidents de Culver City.

Lugo Cerra, qui a grandi à Culver City, où son père était chef de la police, se souvient que de nombreux écoliers considéraient le studio comme un terrain de jeu géant. "Tous mes amis, tous les enfants du coin, ils escaladaient toujours les murs pour aller le voir", dit Lugo Cerra. "C'était un endroit où presque tout le monde en ville était entré illégalement.

Le studio a toujours essayé très fort d'être un bon voisin, dit-elle. "L'un des voisins a appelé et était vraiment contrarié par le fait que [le bruit sur le terrain] dérangeait leur quartier agréable et calme", ​​a déclaré Lugo Cerra. "Le gars qui a répondu au téléphone, dont je ne connais pas le nom, il a dit:" Pourriez-vous venir une minute? " Et donc, le gars du voisin est venu, et il l'a emmené à la scène porte, et les Beatles s'entraînaient !

Le manoir en 2012. Il a déjà servi de logo d'ouverture pour tous les films de David O. Selznick. Photo de Bret Hartman pour le Washington Post via Getty Images

Le président de la société historique Parrish, un maître d'accessoires à la retraite, est originaire de Culver City dont les antécédents feraient la fierté de Harry Culver. Ses deux grands-pères travaillaient dans l'industrie du cinéma, tout comme son père et son cousin. « En grandissant à Culver City, je dis toujours aux gens que vous avez travaillé chez Hughes Aircraft ou que vous avez travaillé en studio. »

Le père de Parrish, Dennis, a ouvert la Hand Prop Room sur le terrain des studios de Culver City en 1974. Alors jeune adolescent, Parrish se souvient avoir couru dans le terrain de location convivial et décontracté, explorant une vieille scène remplie de vieux accessoires. « C'était exactement comme ce grand bac de rangement », se souvient Parrish. "Et il y avait ce grand grand, pour moi c'était comme un ours polaire blanc de huit pieds de haut que je vous jure était celui de la Famille Addams. Et en me promenant dans cet entrepôt, je trouvais toutes sortes de choses. Et j'en étais sorti si sale et vous pouviez entendre le crépitement du caca de pigeon sous vos pieds qui était là depuis des années et des années.

Des décennies plus tard, Lugo Serra, maintenant elle-même un maître accessoire, travaillait sur le terrain sur Puissant Joe Jeune. Elle et un producteur ayant des liens avec les propriétaires actuels du studio parlaient de ses exploits d'adolescente sur l'ancienne scène. « Il a dit : « Eh bien, vous n'allez pas croire ce que nous avons trouvé lorsqu'ils s'apprêtaient à démolir cette scène. » Parrish se souvient « Et il a dit : « Nous l'avons en fait. ' Il dit : 'Rosebud'. J'ai dit : 'Tu te moques de moi ? Il y avait un bouton de rose dans cet entrepôt ? Il a dit : « Oui. » J'ai été choqué ! »

Le « Rosebud » était le célèbre traîneau (désolé, spoiler) dans Citoyen Kane. Apparemment, l'un des traîneaux à accessoires avait été laissé dans l'entrepôt, oublié, des décennies auparavant.

En 1991, Sony Pictures Entertainment rachète le studio. Au cours de leur mandat, des films dont Armageddon, Légalement blondee, et La matrice y ont été abattus. En 2004, elle a vendu le studio obsolète et malade (maintenant sans Forty Acres, qui avait été subdivisé) à Studio City, Los Angeles.

En 2014, Hackman Capital Partners a acheté le studio maintenant de 14 acres. Trois ans plus tard, il a annoncé un projet de 600 millions de dollars pour transformer le studio d'ici 2021, ajoutant sept nouveaux bâtiments en préparation pour les studios Amazon, qui ont signé un bail de 15 ans. Créant des fosses de construction caverneuses sur tout le site, le lot est maintenant un enchevêtrement de poutres métalliques et de béton coulé, faisant allusion aux étapes de pointe et aux studios de design à venir.

Hackman n'a pas renvoyé plusieurs demandes d'entretien. Pour les historiens de la ville, ce nouveau chapitre de l'histoire du lot légendaire a été accueilli avec une approbation prudente.

"C'est un peu difficile aujourd'hui d'arrêter la croissance", dit Parrish. "Et quand vous avez quelqu'un qui est Michael Hackman et Hackman Partners qui vient en ville et commence à nous parler à tous, et il est très, très agréable et il est très accessible. Et il a organisé une petite fête pour nous à Noël il y a quelques années, et il a dit : "J'ai besoin de votre aide pour aller au conseil pour expliquer ce que nous voulons faire ici."

La société historique a décidé de soutenir le nouveau plan, mais avec des réserves. "La seule personne qui aime le changement est un bébé mouillé", explique Lugo Serra, qui a brièvement travaillé avec Hackman. « Nous devons tous nous y habituer. »

Parrish est d'accord. « Cela me terrifie de voir ces grandes et énormes structures en acier arriver sur ce terrain en ce moment », dit-elle. "Mais si c'est fait avec du caractère, du goût et de la réflexion, vous savez, s'ils ont une façon réfléchie de l'assembler, et qu'ils ont été très bons avec les voisins, à peu près. Ils sont très visibles dans nos réunions du Conseil municipal. Donc, je veux dire, j'ai l'impression que vous devez le soutenir.

Il y a aussi la connaissance que les nouveaux médias comme Amazon sont l'avenir. « La majeure partie de ma carrière s'est déroulée dans le celluloïd. Et puis nous sommes passés au numérique. Et ils n'ont pas besoin du type de scènes sonores que nous avions autrefois », explique Parrish. "Ils préfèrent le louer, sortir de l'État, faire les incitations fiscales ailleurs."

Dans la ville très unie de Culver City, l'arrivée de nouveaux géants des médias comme Amazon, Beats, HBO et Maker Studios, qui rejoignent des piliers comme Sony, signifie que la petite communauté que Harry Culver a fondée en 1917 vit pour se battre un autre jour. "Je suis content qu'ils aient choisi Culver City", dit Parrish. « Santa Monica aurait pu les avoir, Beverly Hills, la vallée. Et c'est agréable de voir une ville qui a toujours été basée sur l'industrie cinématographique avoir le même genre d'énergie avec les nouveaux médias. L'avoir de nouveau ici… il y a beaucoup d'excitation.

Correction:Une version antérieure de cette histoire indiquait à tort que Burning of Atlanta avait été filmé en 1937 dans le backlot des Culver Studios. C'était en 1938.


Alors que beaucoup donneront la couronne de tous les temps au box-office à des gens comme "Avatar" ou "Titanic", le film le plus rentable - en tenant compte de l'inflation - est l'épopée de guerre de 1939 de Victor Fleming "Autant en emporte le vent".

"Autant en emporte le vent" n'est pas seulement un classique de l'âge d'or d'Hollywood - c'est un film qui a engendré d'innombrables émissions spéciales, attractions touristiques et totaux enviables au box-office.

Alors que nous célébrons le jubilé de diamant du film, voici comment "Autant en emporte le vent" est devenu l'un des films préférés des Américains.

« Le plus grand divertissement d'écran de tous les temps ! »

Lors de la première de "Autant en emporte le vent" le 15 décembre 1939, les personnes présentes au Loews Grand Theatre d'Atlanta n'auraient pas pu prédire à quel point le film serait populaire.

En tenant compte de l'inflation, "Autant en emporte le vent" a fait un incroyable 1,6 milliard de dollars au box-office national.

Pour John Wiley Jr., l'auteur de "The Scarlett Letters: The Making of the Film Autant en emporte le vent", la popularité du film découle de son spectacle sur grand écran.

"C'est Hollywood à son hollywoodien", a déclaré Wiley. "La cinématographie, le fait qu'elle soit en technicolor, les performances, la musique, les costumes. C'est les film emblématique de l'histoire d'Hollywood."

Vivien Leigh a remporté un Oscar pour son interprétation de Scarlett O'Hara.

Wiley a ajouté que la popularité du best-seller de Margaret Mitchell en 1936 et l'histoire d'amour intime du film sur la guerre civile entre Rhett Butler de Clark Gable et Scarlett O'Hara de Vivien Leigh étaient d'autres facteurs qui ont attiré le public en masse.

Le total de 1,6 milliard de dollars du film dépasse d'autres classiques de la liste de tous les temps comme "Star Wars" et "The Sound of Music". Il est également en tête du film n°1 actuel, "Avatar" de James Cameron, qui arrive au n°14 après ajustement pour les prix des billets gonflés.

Émissions télévisées et Ted Turner

Bien que ses chiffres au box-office puissent être stupéfiants, la première diffusion télévisée du film a également été impressionnante.

Lorsque NBC a diffusé le film pour la première fois en 1976, un record de 47 % des foyers américains l'ont écouté. Étant donné que la durée d'exécution du film est de près de quatre heures, le réseau a dû le diviser en deux nuits.

Et lors de sa deuxième soirée, "Autant en emporte le vent" a maintenu son record d'audience.

Le film a finalement été acheté par le fondateur de CNN, Ted Turner, qui a acquis les droits du film à CBS en 1987.

''C'est formidable. Nous avons maintenant les droits télévisés du plus grand film jamais réalisé", a déclaré Turner à l'époque.

Turner, un grand fan du film, fera plus tard de "Autant en emporte le vent" le premier film diffusé sur son réseau "Turner Classic Movies" lors de son lancement en 1994. (Cette chaîne appartient à Time Warner, qui possède également ce site Web placer.)

Plus de 33 millions de foyers ont regardé "Autant en emporte le vent" en 1976.

Franchement, on s'en fout encore

Au cours de ses 75 ans, "Autant en emporte le vent" a suscité à la fois des éloges et des controverses.

La représentation de l'esclavage dans le film, ainsi qu'une scène impliquant ce que beaucoup considèrent comme un viol conjugal, ont été scrutées par les critiques et les fans.

Pourtant, il reste toujours populaire. En fait, le film est même devenu une sorte d'attraction touristique. On estime que 33 000 visiteurs par an se rendent à la Margaret Mitchell House d'Atlanta pour voir des décors, des souvenirs et des artefacts du film.

Le film est également devenu un événement générationnel pour les familles, les cinéphiles et les fans, montrant que même après trois quarts de siècle, beaucoup se soucient encore d'"Autant en emporte le vent".


“Autant en emporte le vent” Mansion mis aux enchères – Jetez un œil à l'intérieur

Le manoir de Géorgie qui a inspiré l'une des maisons de Emporté par le vent sera mis aux enchères fin juillet 2019. Twelve Oaks est le nom de la maison de plantation de la famille Wilkes dans le roman, et l'aristocrate Ashley Wilkes est l'homme qui obsède Scarlett O’Hara depuis des années, au grand dam de Rhett Butler .

Construit en 1836, ce manoir réel "Autant en emporte le vent" à Covington, qui s'appelait à l'origine la plantation Harris, a été nommé l'un des 10 meilleurs sites Antebellum en Géorgie et figure sur le registre national. Au cours de l'adaptation du roman, l'auteur Margaret Mitchell aurait vu une photo de la maison dans le Journal d'Atlanta, et en a envoyé une coupure à l'équipe de production du film avec une note manuscrite disant: "J'aime ça pour la maison d'Ashley."

Douze chênes au crépuscule. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Nommé par la suite Twelve Oaks, son incarnation la plus récente était un bed and breakfast et un espace événementiel. "Le majestueux manoir recouvert de piliers blancs comprend plus de 10 000 pieds carrés d'espace rénové – plus de 2 millions de dollars ont été dépensés pour le réparer récemment, selon un communiqué de presse publié par Target Auction, la société qui supervise la vente."

Hall d'entrée. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Aujourd'hui rapporté, « Quant à la raison pour laquelle ils vendent la propriété, le propriétaire actuel a expliqué dans un communiqué : « Nous pensons que nous avons accompli ce que nous avions prévu de faire et nous sommes prêts à commencer une nouvelle aventure. » “La vente aux enchères en direct aura lieu à la propriété le 25 juillet.

Selon Target Auction, « Il y a 12 grandes chambres et 12 1/2 salles de bains luxueuses ainsi qu'une grande salle à manger, un salon, des espaces de repas et de vie informels et une cuisine de rêve pour un chef. L'un des bains comprend une douche de luxe antique très rare qui est l'une des seules au monde. Il y a deux baignoires qui coûtent plus de 14 000 $ chacune. La propriété se trouve sur plus de 3 acres de jardins avec une piscine, un belvédère et une pergola et avec une remise historique pour 4 voitures.

Salle à manger. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Parloir. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Salon. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Covington, à 35 miles d'Atlanta, est connu comme le Hollywood du Sud. Plus de 125 films et émissions de télévision ont été tournés dans et autour de là. À l'intérieur du manoir Twelve Oaks "Autant en emporte le vent" se trouvent quatre reproductions des robes de Scarlett (Vivien Leigh) du film ainsi que deux des costumes de Rhett (Clark Gable).

Selon le site Web de Twelve Oaks, le juge John Harris l'a construit comme sa maison de ville en 1836. "Il possédait une grande plantation près de Covington qui a été pillée par les troupes fédérales en 1864 alors qu'elles commençaient la marche de Sherman vers la mer", a déclaré le site. “Le Atlanta History Center a des entrées de journal de Sherman et Harris décrivant les détails du séjour de trente jours de Sherman à la plantation Harris.”

Cuisine. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Cuisine. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Salle de bain principale. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Salle de bain principale. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Après la guerre de Sécession, Robert Franklin Wright a acheté la propriété pour 1 000 $ et l'a nommée The Cedars. La famille a rénové l'intérieur et a ajouté un jardin de buis à l'arrière du manoir. En 1903, ils vendirent la maison à Nathanial S. Turner, un courtier en coton qui possédait Covington Mills. La maison a finalement acquis un nouveau nom, Whitehall. Cependant, la maison est tombée en ruine dans les années 1930.

Chambre des maîtres. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Étude Salvatore. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Chambre. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

La grande suite de Katherine. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Suite Spa Magnolia. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Chambre. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Grande Suite Cannonball Run. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Dans les années 1940, suite à la production du film Emporté par le vent, le manoir et toute la région de Covington sont devenus un attrait pour les touristes. Un article publié à l'époque disait : « Les belles maisons anciennes de Covington ont été ouvertes au public pour la première fois en 1948 pour une tournée parrainée par le Covington Garden Club… Plus de 2 500 sont en fait descendus sur la petite ville. La police a essayé en vain de gérer le gonflement constant marée qui affluait… de toutes les directions. Les visiteurs venaient d'aussi loin que New York et la Californie. Un antiquaire a exprimé son étonnement devant les belles maisons et leur beau mobilier.

Balcon. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Espace piscine. Avec l'aimable autorisation des enchères cibles

Bien que la maison Harris Plantation et d'autres manoirs de Deep South aient inspiré Margaret Mitchell et que les photos aient été utilisées comme guides, aucune scène du film classique n'a été tournée en Géorgie. Il a été tourné dans ce qui était alors les Selznick International Studios et d'autres endroits près de Los Angeles. Le célèbre barbecue de Twelve Oaks utilisait les anciens jardins Busch à Pasadena, un domaine construit par la famille de brasseurs Busch. Des vestiges de l'aménagement paysager peuvent encore être vus dans les jardins des maisons autour du boulevard Arroyo entre la rue Bellefontaine et la promenade Madeline.

Architectural Digest a écrit, “Bien que Emporté par le vent a été tourné sur un plateau, Twelve Oaks a servi de lieu de tournage pour d'autres productions dont Le journal des vampires, Tyler Perry est la famille qui chasse, et Halloween II.


LOVEJOY, Géorgie - C'était une histoire depuis des lustres - et 75 ans après que "Autant en emporte le vent" ait fait ses débuts, il attire toujours le public dans un endroit improbable.

Lundi marquera trois quarts de siècle depuis la première du film classique, remportant plus tard 10 Oscars et immortalisant cette scène lorsque Rhett se tourne vers Scarlett et prononce ces mots d'adieu inoubliables: "Franchement, ma chère, je m'en fous. "

Mais il y a toutes ces années, alors que les cinéphiles regardaient Scarlett jurer de rentrer chez eux, peu auraient imaginé ce qu'allait devenir cette précieuse maison, Tara.

Aujourd'hui, par une fraîche matinée à l'extérieur d'une ancienne étable laitière juste au sud d'Atlanta, l'historien Peter Bonner montre fièrement l'une des pièces les plus emblématiques du cinéma américain.

A sa manière, il tente de restaurer l'une des façades les plus célèbres de tous les temps.

"Bienvenue chez Tara!" crie-t-il d'une voix traînante joyeuse du Sud.

Il s'avère que Tara n'était pas une vraie maison, après tout - juste un décor extérieur d'Hollywood. (Bonner plaisante, ce n'est pas surprenant, puisque la plupart des gens à Hollywood sont faux, de toute façon.) La façade a été construite en Californie en 1939. Elle est restée sur un terrain de cinéma pendant 20 ans avant que le propriétaire du studio, Desi Arnaz, ne la détruise et ne vende les pièces.

Une entreprise géorgienne avait espéré en faire une attraction touristique, mais ces plans ont échoué. Enfin, Betty Talmadge, l'épouse du sénateur Herman Talmadge, a acheté la façade pour 5 000 $ en 1979, a déclaré Bonner. Depuis sa mort en 2005, les morceaux sont restés intacts dans l'étable laitière.


35 faits amusants sur Autant en emporte le vent

Le premier directeur de Emporté par le vent était George Cukor, qui avait passé plus de deux ans à planifier et à développer le film. Cependant, il y a eu des frictions sur le plateau lorsqu'il est devenu public que Cukor était gay.Clark Gable (Rhett Butler) a exprimé sa préoccupation de travailler avec Cukor pour diverses raisons… l'une étant que Gable lui-même avait été un arnaqueur homosexuel dans sa jeunesse et ne voulait pas que Cukor l'expose… l'autre étant que Cukor avait la réputation de faire des « films de femmes » et donc Gable perdrait la vedette. Quelle que soit la raison, Cukor n'était pas le seul à marcher. Le film a en fait eu trois réalisateurs tout au long de sa production (Cukor a filmé 18 jours, Victor Fleming en a filmé 93 et ​​Sam Wood en a filmé 24).

Leslie Howard (Ashley Wilkes) détestait absolument son rôle dans le film. Il a estimé que sa silhouette élancée de 40 ans n'était pas crédible en tant que bel homme de 21 ans, comme Ashley était censé l'être. Il a estimé qu'il n'était "pas assez beau ou assez jeune pour jouer Ashley".

Le producteur David Selznick voulait que pas moins de 2 500 figurants gisent dans la boue, représentant les soldats confédérés morts et blessés vers la fin de la guerre. Cependant, la Screen Actors Guild n'avait que 1 500 à offrir à l'époque. Par conséquent, Selznick a commandé 1 000 mannequins pour compléter la scène.

Il a fallu 16 scénaristes différents pour que le scénario soit d'une longueur viable.

Selznick a utilisé les 7 caméras Technicolor existantes pour le tournage de Emporté par le vent.

L'auteur Margaret Mitchell a commencé à écrire Emporté par le vent par ennui. Elle se remettait d'une blessure lorsqu'elle a décidé de se lancer dans l'écriture. Son projet lui prendra 10 ans. Tu n'es pas seul, Eu Ventilateurs!

Le flingueur du Old West, Doc Holliday, était le cousin de Mitchell… et beaucoup pensent qu'il a été l'inspiration pour le personnage d'Ashley Wilkes.

On estime que si Selznick incluait tous les dialogues du livre dans le film, Emporté par le vent durerait environ 168 heures !

Selznick a acheté les droits du film à Mitchell pour 50 000 $. À l'époque, c'était le prix le plus élevé jamais payé pour un premier roman.

Le roman Emporté par le vent avait été un best-seller phénoménal à sa sortie… et le film était très attendu. Plus d'un million de personnes ont afflué à Atlanta pour assister à la première du film. Le gouverneur de Géorgie a déclaré ce jour férié et le maire d'Atlanta a organisé trois jours de défilés et de fêtes.

Les participants au premier ministre comprenaient les Vanderbilt, les Rockerfeller, les Astors, J.P. Morgan et tous les gouverneurs de ce qui était autrefois la Confédération.

En fait, il y avait plus de monde au premier ministre de Emporté par le vent qu'il n'y en avait à Atlanta au plus fort de la guerre civile.

Le titre Emporté par le vent vient du poème "Cynara!" par Ernest Dowson.

Un demi-million de pieds de film ont été tournés pour ce film de près de 4 heures. Il a finalement été réduit à seulement 20 000 pieds.

Environ 1 100 chevaux ont été utilisés dans la réalisation de ce film… oh les jours avant CGI…

Emporté par le vent a été le premier film à recevoir plus de cinq Oscars, huit Oscars réguliers et deux Oscars spéciaux. Le record a tenu 20 ans jusqu'à ce que Ben Hur en a remporté 11 en 1959.

Parmi ses distinctions, Emporté par le vent a remporté le prix du meilleur film, du meilleur réalisateur, du meilleur scénario adapté, de la meilleure actrice, de la meilleure actrice dans un second rôle, de la meilleure photographie, de la meilleure décoration de décor et du meilleur montage. Clark Gable et Olivia de Havilland (Melanie Hamilton) ont été nominés, mais ont perdu leurs catégories.

Hattie McDaniel (Mammy) est devenue le premier acteur noir à remporter un Oscar pour son rôle dans le film. Cependant, elle et ses collègues acteurs noirs ont été interdits d'assister à la première du film à Atlanta.

Environ 1 400 candidats ont été interviewés pour le rôle de Scarlett, et parmi ceux-ci, seulement 90 ont passé des tests de dépistage. Selznick avait Katharine Hepburn comme favori, mais a finalement pensé qu'elle n'était pas assez sexy pour le rôle.

Incapable de prendre une décision, Selznick a transformé la recherche de Scarlett en un coup publicitaire. Il a demandé au public qui, selon lui, devrait marquer le rôle. Les meilleurs choix inclus : Joan Crawford, Bette Davis, Susan Hayward, Lana Turner et Tallulah Bankhead.

Bien que Scarlett n'ait pas joué, Selznick a continué le tournage. La légende raconte que lors du tournage de la grande scène "Burning of Atlanta", l'actrice Vivien Leigh venait d'être présentée au producteur par le frère de Selznick. Elle a battu environ 1 400 autres filles pour le rôle de Scarlett O'Hara.

Le chapitre de Floride des United Daughters of the Confederacy a été très offensé qu'une actrice britannique ait été choisie pour jouer un personnage sudiste aussi emblématique. Cependant, lorsqu'ils ont appris que le rôle était proche d'aller à Katharine Hepburn, ils ont arrêté leur protestation. Mieux vaut un Britannique qu'un Yankee !

Dans un exemple épique de droits salariaux équitables, Gable a été payé 120 000 $ pour travailler sur le film, travaillant environ 70 jours non consécutifs. Leigh, d'autre part, a travaillé 125 jours et a reçu environ 25 000 $.

Malgré leur romance torride à l'écran, Leigh a déclaré qu'embrasser Gable n'était pas tout ce qu'il était censé être. Il portait de fausses dents et fumait beaucoup et elle aurait déclaré : « son dentier sentait quelque chose de terrible ».

La scène "Burning of Atlanta" était en fait la première scène qu'ils ont filmée, car ce serait la plus chère et ils n'avaient vraiment qu'un seul plan pour que cela fonctionne. Ils l'ont en fait réussi en brûlant de vieux décors sur le backlot.

Il a fallu 15 000 gallons d'eau pour éteindre les flammes après la fin du tournage.

Le personnage d'Ashley Wilkes était l'un des rares compatriotes à avoir survécu à la guerre. Ironiquement, l'homme qui l'a joué (Leslie Howard) est mort en tant que soldat pendant la Seconde Guerre mondiale.

Contrairement à d'autres films de guerre épiques, Emporté par le vent ne montre en fait aucune bataille… seulement les effets de la guerre.

Aux enchères, Michael Jackson a payé 1 542 500 $ pour l'Oscar du meilleur film de David Selznick pour Emporté par le vent.

Une Brésilienne, qui prétend avoir vu Emporté par le vent 8 000 FOIS, acheté la robe rose de Scarlett portée pendant la scène « Burning of Atlanta » pour 95 500 $.

Si Emporté par le vent devaient être fabriqués aujourd'hui, on estime qu'il coûterait 40 millions de dollars.

Trois des quatre acteurs principaux jouant les sudistes (Leslie Howard, Olivia de Havilland et Vivien Leigh) étaient britanniques.

Globalement, Emporté par le vent coûter environ 4,25 millions de dollars à faire. Lors de sa première diffusion, le film a rapporté 21 millions de dollars rien qu'en Amérique du Nord et un total de 32 millions de dollars dans le monde.

Une fois ajusté pour l'inflation, Emporté par le vent est le film le plus rentable jamais réalisé, avec environ 390 millions de dollars de recettes dans le monde. Dans l'argent d'aujourd'hui, cela représente environ 3,3 milliards de dollars, plus que les deux plus gros blockbusters d'aujourd'hui, Avatar (2,8 milliards de dollars) et Titanesque (2,7 milliards de dollars).

On pense également que c'est le film le plus regardé de tous les temps, ce qui signifie que plus de gens ont acheté des billets, quel que soit le prix, pour ce film que pour tout autre.

Parfois, vous avez juste besoin d'un peu de plaisir dans votre vie ! Revenez chaque semaine pour un nouveau post "Just Bee-cause" où je discute de tout, des actualités sur les célébrités aux vidéos et sites Web préférés !


Voir la vidéo: Autant En Emporte Le Vent - Danse Aux Enchères Scène Culte (Décembre 2021).